Categoria: Produção para Iniciantes

Abres o piano roll, escolhes um sintetizador e começas a pôr notas. Vinte minutos depois tens dezasseis compassos que não estão errados, mas que também não ficam na cabeça de ninguém. Quase sempre o problema é de método. Quem pensa em compor procura uma linha longa que conte uma história, e a música eletrónica de pista raramente funciona assim. Numa faixa de house ou de techno, a melodia é um motivo curto, com um ritmo marcado, que se repete por cima de um loop e vai mudando aos poucos.

Os seis passos abaixo levam-te até esse motivo. O Sequenciador de melodias está embebido logo a seguir, para experimentares enquanto lês.

1. Escolhe a escala antes da primeira nota

A escala é o conjunto de notas de que a melodia se pode servir. Escolhida antes de começares, deixas de testar as doze notas do teclado e passas a escolher entre cinco ou sete. Para começar, a pentatónica menor é a mais segura: tem cinco notas e nenhuma choca com as outras, por isso quase qualquer combinação soa a música. Em Dó menor pentatónica são Dó, Mi bemol, Fá, Sol e Si bemol.

O Sequenciador de melodias abre precisamente em Dó menor pentatónica, com a grelha travada à escala, e as notas que ficam fora dela não se deixam escrever. Quando cinco notas deixarem de chegar, passa para a menor natural (Aeolian) ou para o Dorian, que tem a sexta maior e soa mais quente. No Ableton Live consegues o mesmo com o efeito MIDI Scale, que empurra qualquer nota que toques para dentro da escala escolhida.

2. Primeiro o ritmo, depois as notas

Numa faixa de pista, uma melodia reconhece-se primeiro pelo ritmo. Experimenta escrever a linha inteira numa só nota, a tónica, e decide apenas onde as notas caem e quanto duram. Quando esse ritmo já tiver groove sozinho, por cima do kick, começa a mexer nas alturas. Andrea Stolpe, da Berklee, defende o mesmo a partir da canção: a duração das notas, o espaço entre elas e o sítio onde a frase arranca (antes, em cima ou depois do primeiro tempo) mudam uma melodia tanto como as próprias notas.

Deixa silêncio, porque uma linha com pausas respira por cima do loop. E põe pelo menos uma nota entre os tempos. A síncopa é o que faz o corpo reagir a uma linha, e o Oscar, da Underdog Electronic Music School, tem um vídeo inteiro só sobre ela.

3. Um motivo de dois compassos, em pergunta e resposta

Um motivo é uma ideia de três a cinco notas que se repete. Escreve-o em dois compassos, que é exatamente o tamanho da grelha do sequenciador. Nos dois compassos seguintes repete-o quase igual e muda só o fim. Se a primeira metade acaba numa nota que deixa a frase em suspenso, a segunda acaba na tónica e fecha-a. Chama-se pergunta e resposta, e quatro compassos chegam para ela.

Repetir parece pouco a quem começa, mas é a repetição que deixa o ouvido apanhar a melodia. A Berklee, num lado, e o Will Darling, do EDM Tips, no outro, chegam à mesma conclusão: uma melodia que muda a cada compasso nunca chega a ser lembrada, e as pequenas variações só funcionam porque há uma repetição por baixo.

4. Notas do acorde nos tempos fortes

Se já tens uma progressão, apoia a melodia nela. A regra prática é pôr uma nota do acorde que está a soar nos tempos fortes, o 1 e o 3 de cada compasso, e usar as outras notas da escala como passagem entre elas. Uma melodia que acerta no acorde quando o ouvido está mais atento soa ligada à harmonia, mesmo que pelo meio passe por notas de fora.

O Gerador de progressões faz esta ligação por ti. Quando tiveres uma progressão de que gostas, o botão Escrever a melodia abre o sequenciador na mesma tonalidade, no mesmo modo e no mesmo andamento, com os acordes a tocar por baixo e as notas de cada acorde iluminadas na grelha. O Oscar, da Underdog, propõe o caminho inverso, a partir da harmonia e de um arpejador: tiras as notas dos acordes e deixas o ritmo do arpejo sugerir a melodia. Para quem não toca teclado, é dos métodos que melhor resulta.

5. A forma da linha: passos, saltos e um ponto alto

Olha para a melodia como um desenho no piano roll. As que funcionam andam mais por grau conjunto, para a nota vizinha da escala, do que por salto. Quando saltam, costumam voltar por grau no sentido contrário. O livro Making Music, da Ableton, acrescenta uma ideia que dá muito jeito: uma boa melodia tem quase sempre uma nota mais alta do que todas as outras, e essa nota cai muitas vezes num tempo forte. Se a tua linha tem três picos iguais, escolhe um e baixa os outros dois.

A exceção são os arpejos. Quando a melodia percorre as notas de um acorde, os saltos entre elas soam completos e não pedem regresso.

6. Variar sem perder o motivo

Ao fim de trinta e dois compassos, o mesmo motivo cansa. Antes de escreveres outro, varia este. Sobe-o uma oitava no segundo drop, tira-lhe uma nota, desloca-o meio tempo para a frente ou deixa as notas iguais e abre aos poucos o cutoff (frequência de corte) do filtro. No techno, boa parte da variação vem daqui, do som a mudar enquanto as notas ficam. Cada versão deve continuar a ser reconhecível como o mesmo motivo.

O som também decide quantas notas cabem. Um pluck, com attack rápido e decay curto, deixa espaço ao ritmo e aguenta linhas mais cheias. Um lead com release longo enche o espaço e pede menos notas. O artigo sobre o envelope ADSR mostra como passar de um ao outro, e o de como funcionam os sintetizadores explica de onde vem o timbre.

O que muda de género para género

House: a melodia é muitas vezes o próprio acorde, em stabs curtos ou num riff de piano repetido em ritmo sincopado. No deep house e no melodic house, os modos menores com sétimas e nonas dão o carácter. As progressões de acordes no house são o ponto de partida.

Techno: poucas notas, por vezes só duas ou três, repetidas durante muito tempo. A tensão vem da repetição, da dissonância e do som a transformar-se, que é o que o Oscar analisa no vídeo da Underdog sobre teoria musical para techno. O modo Phrygian, com a segunda menor logo acima da tónica, dá aquela cor escura. Mais em como fazer techno.

Organic house: notas longas e espaçadas, em plucks, flautas ou kalimbas, quase sempre em Dorian. A melodia entra tarde, diz pouco e sai cedo. O artigo sobre como fazer organic house explica porque é que a contenção funciona tão bem aqui.

Afro house: pergunta e resposta é a forma mais comum, muitas vezes sobre um vamp de dois acordes, com timbres percussivos como a marimba ou a kalimba e figuras sincopadas que conversam com a percussão. A pentatónica e o Dorian são escolhas seguras. Os padrões de bateria no afro house ajudam a perceber onde a melodia deve deixar espaço.

Daqui, o passo natural é juntar a melodia a uma progressão no Gerador e levar as duas para o DAW. A página de tutoriais de música eletrónica mostra o que vem a seguir no percurso, com o arranjo e a mistura.

A maioria dos produtores tem dezenas de loops guardados e quase nenhuma faixa terminada. O problema não é talento nem inspiração — é não saber o que fazer a seguir ao loop. Este artigo dá-te um sistema concreto para ir de uma ideia de 2 compassos a uma faixa completa, sem complicar.

1. Por que razão os loops não se tornam faixas sozinhos

Um loop é uma prova de conceito. Mostra que uma ideia tem potencial. Mas terminar uma faixa exige uma competência diferente: arrangement. Arrangement é a arte de controlar o que o ouvinte escuta, quando escuta, e quanto. A maioria dos produtores evita-o porque parece menos criativo do que fazer sons — mas é o que transforma um esboço em música.

O erro mais comum é tentar perfeicionar o loop antes de arranjar. Se passas três horas a afinar o kick antes de teres uma estrutura, estás a otimizar algo que ainda não sabes usar.

2. Conhece a forma antes de a construir

Uma faixa eletrónica funcional tem uma forma previsível, e essa previsibilidade é uma ferramenta, não uma limitação. Aqui está uma estrutura básica que funciona na maioria dos géneros:

• Intro (8–16 compassos): versão reduzida dos elementos principais, cria expectativa
• Build (8–16 compassos): elementos entram gradualmente, tensão aumenta
• Drop/Main (16–32 compassos): energia total, todos os elementos chave presentes
• Breakdown (8–16 compassos): espaço, contraste, reduzido novamente
• Segundo build (8 compassos): mais curto que o primeiro, o ouvinte já sabe o que aí vem
• Segundo drop (16–32 compassos): muitas vezes uma variação do primeiro
• Outro (8–16 compassos): elementos saem um a um

Não precisas de seguir isto à letra. Mas precisas de uma forma. Abre a vista de arrangement, cria secções vazias com marcadores e dá-lhes nome antes de colocares uma única nota.

3. Copia primeiro, varia depois

A forma mais eficiente de preencher um arrangement é copiar o teu loop para todas as secções primeiro e depois remover o que não deve estar lá. É o oposto de como a maioria dos iniciantes trabalha. Em vez de construir cada secção do zero, começas com tudo em todo o lado e subtrai.

Arrasta o loop por todo o arrangement. Depois vai secção a secção e silencia ou apaga os elementos que ainda não devem estar presentes. O intro torna-se o drop sem nada excepto um hi-hat e um kick. O breakdown torna-se o drop sem nada excepto um pad e um baixo. Tens um rascunho de arrangement em vinte minutos.

4. Energia é movimento, não volume

Um erro comum é usar automação de volume para criar mudanças de energia. Subir o master não é um arrangement — é uma mudança de loudness. A energia real vem da densidade: quantos elementos estão a tocar, quão complexo é o padrão rítmico, e quanto espaço espectral está a ser usado.

Para construir energia: adiciona elementos, aumenta a complexidade rítmica, ou abre um filtro. Para reduzir energia: remove elementos, simplifica o padrão, ou fecha um filtro. O volume deve manter-se aproximadamente constante ao longo da faixa. A densidade é que muda.

5. As transições fazem o trabalho entre secções

O momento entre duas secções é onde a maioria das faixas se desintegra. Sem transição, uma mudança de secção parece um corte numa edição de vídeo mal feita. O kit de transições mais simples que funciona sempre: um riser (ruído branco filtrado para cima ao longo de 4 compassos), um crash no primeiro tempo da nova secção, e um bass drop (um compasso de silêncio no baixo mesmo antes da mudança). Estes três elementos sozinhos fazem qualquer arrangement parecer intencional.

6. A decisão de “suficientemente bom”

A razão pela qual as faixas não ficam terminadas é o perfeccionismo aplicado no momento errado. Na fase do arrangement, suficientemente bom é o objetivo. Uma faixa com estrutura completa e sons imperfeitos é infinitamente mais útil do que um loop perfeito sem estrutura. Podes corrigir sons mais tarde. Não podes terminar uma faixa que nunca teve forma.

Define um limite de tempo: duas horas para ter um rascunho completo de arrangement, mesmo que esteja em bruto. Quando as duas horas acabarem, exporta um rough mistura. Ouvir a tua faixa como uma peça contínua de áudio — mesmo que seja má — muda tudo na forma como abordas a sessão seguinte.

Experimenta agora

Pega num loop que tenhas guardado. Abre um novo arrangement. Cola o loop ao longo de 128 compassos. Nos próximos 30 minutos, cria pelo menos cinco secções distintas silenciando e apagando elementos. Exporta. Ouve.

Fontes e leituras complementares

• Ableton: Making Music de Dennis DeSantis — PDF gratuito, capítulos sobre arrangement e terminar faixas
• Sound On Sound: série “Arrangement Masterclass”
• YouTube: Underdog Electronic Music School — tutoriais de arrangement